Les quatre cavaliers

Les quatre cavaliers est un film réalisé en 2012 sur la crise de 2008, le rôle passablement ignoble d'un certain nombre de ses acteurs et les conséquences désastreuses de la logique néoclassique actuelle.

Évidemment, le titre du film se réfère aux quatre cavaliers de l'apocalypse, ce qui n'est pas pour nous rassurer... Ce film, qui a obtenu de nombreux prix, est essentiellement fondé sur de nombreux entretiens avec un certain nombre de personnalités comme Joseph Stiglitz ou Noam Chomsky.

AHAE Mécène Gangster - par Bernard HASQUENOPH

L'enquête réalisée par Bernard Hasquenoph, célèbre créateur du site Le Louvre pour tous, se lit presque comme un roman policier.

Habitué à traquer les dérives potentielles des grands établissements culturels, dans leur recherche de ressources financières, Hasquenoph s'est penché sur les expositions du "photographe" coréen Ahae, dont tous les parisiens ont au moins le souvenir des curieuses campagnes d'affichage, dans le métro notamment. Étonnant souvenir de cet artiste inconnu mis en avant comme un nouveau prodige, présentant des images d'une mièvre banalité. Nombreux sont ceux qui se sont interrogés sur la place donnée à cette manifestation, et sur l'investissement considérable lié à cette manifestation. Hasquenoph est allé plus loin, cherchant à comprendre les raisons de cet investissement, et surtout l'identité de l'artiste inconnu.

Les révélations du blogueur-enquêteur, détaillées d'abord à travers son blog, seraient restées confidentielles si Ahae n'avait été étroitement mêlé au naufrage d'un bateau, en Corée, faisant plus de 300 victimes.




Cet ouvrage illustre, de manière tout à fait remarquable, les relations de pouvoir entre un mécène et l'organisme culturel bénéficiant de ses largesses. L'histoire d'Ahae, étonnante, montre les difficultés liées aux recherches de financement que les musées, notamment, sont contraints de développer, au fur et à mesure que les pouvoirs publics cherchent à limiter leurs interventions financières. La logique évoquée par Mauss (ou par Sénèque), "donner-recevoir-rendre", s'applique forcément aussi ici dans ce cas, induisant des difficultés importantes pour le musée sommé implicitement de reconnaître la générosité de son donateur et de lui proposer, en retour, des marques d'estime à la hauteur de son investissement. Même si l'argent n'a pas d'odeur, le musée conserve une partie de l'identité du donateur (parfois inscrite dans la pierre, comme au Louvre). Celle-ci peut s'avérer parfois encombrante...

Géopolitique du musée

Géopolitique du musée

Séminaire de recherche ouvert au public 

Musée national des Arts et Métiers

Si le monde des musées se présente comme une invention occidentale, on sait sa fortune actuelle mondiale et la création d’établissements (plus de 60.000) sur tous les continents. A travers ce réseau global se dessine une culture particulière, largement spectaculaire mais connaissant aussi, par-delà la culture dominante qu’elle véhicule, des déclinaisons révélatrices d’autres formes de transmission des connaissances. A l’aune du soft power et des enjeux de l’économie de la créativité, le musée se présente comme le révélateur d’un monde particulier, reflet du marché de l’art ou vitrine de la technologie, mais aussi symbole des flux multiples accompagnant le développement des musées : trafic des œuvres d’art, organisation d’expositions temporaires, tourisme international…

Le séminaire aura lieu le jeudi, de 17h30 à 20h30, au Musée national des Arts et Métiers, Salle de conférences, il sera animé par François Mairesse - plusieurs interventions seront également prévues

1.      Soft power et conceptions du monde 8/10

François Mairesse, Université Sorbonne nouvelle

2.       Economie muséale en temps de conflits et de paix 22/10

France Desmarais,  ICOM

3.       Les musées et le personnel 5/11

François Mairesse, Université Sorbonne nouvelle

4.       Les objets 12/11

Anne-Catherine Hauglustaine, ICOM

5.       Les visiteurs et les connaissances 3/12

Brigitte Juanals Université Aix-Marseille, et Jean-Luc Minel,  Université Paris-Ouest Nanterre

6.       Les capitaux 10/12

Jean-Michel Tobelem, Option Culture

L'inclusion sociale

 

Le terme d’inclusion sociale, étroitement associé à celui d’exclusion, est apparu à partir des années 1990 dans les médias, parallèlement au développement du vocable social inclusion, utilisé dans le monde anglo-saxon. Face à la montée des inégalités, de nombreuses politiques ont ainsi été mises en œuvre pour tenter de lutter contre les mécanismes d’exclusion sociale, visant des pans entiers de notre société.

De nombreux programmes ont ainsi été financés à destination de publics spécifiques – sans domicile fixe, prisonniers, malades, primo-arrivants, etc. – afin de développer leur intégration au sein de la société, par le biais de la culture et de l’éducation. Le rôle social des institutions de la culture et de l’éducation bénéficie d’une tradition ancienne, qu’il s’agisse de l’école ou des théâtres, des musées ou des bibliothèques. L’inclusion sociale, en ce sens, s’inscrit dans une lignée incluant l’éducation populaire, l’action culturelle puis la médiation culturelle.

Cet ouvrage a pour objectif d’analyser la notion d’inclusion sociale, terme de plus en plus couramment utilisé en français, en explorant ses origines, son fonctionnement actuel et ses perspectives d’avenir, à travers plusieurs études menées en France ou au Québec dans le monde de l’éducation et de la culture. 

L'artiste commissaire

L'ouvrage publié cette année par Julie Bawin, aux éditions des archives contemporaines, s'inscrit parfaitement dans l'esprit des recherches actuellement en cours en matière d'expographie.

Ce livre très documenté passe en revue les différentes stratégies prises par les artistes pour exposer et faire exposer leur production, mais aussi celle de leurs amis, voire celles des musées.

Après avoir brièvement évoqué les premières démarches artistiques de Courbet ou de Manet visant à exposer leurs œuvres, Julie Bawin s'attarde plus généralement sur le XXe et le début du XXIe siècle. La période du Bauhaus ou la place de Marcel Duchamp et son rôle particulier en matière d'exposition sont particulièrement bien présentées, ainsi bien sûr que le développement des pratiques curatoriales à partir des années 1970 (Szeemann vs Buren). Mais c'est surtout l'analyse des projets d'artistes contemporains (avec une part belle réservée aux artistes et aux établissements français) qui mérite l'attention et fait l'objet des plus longs développements. Les pratiques d'auto-exposition, d'exposition par l'artiste de ses pairs, de même que la pratique de plus en plus répandues des "cartes blanches" laissées aux artistes par nombre de lieux contemporains ou de musées classiques, permettent de tracer la généalogie d'une tendance de plus en plus généralisée de l'artiste en travailleur polyfonctionnel.

Un livre utile pour tous ceux qui s'intéressent aux pratiques curatoriales et aux stratégies économiques prises par les artistes au sein du marché de l'art.

Les médiations culturelles et artistiques - Fr. Montadon et Th. Pérez-Roux

Les ouvrages qui parlent de la médiation culturelle sont suffisamment rares pour que ce nouveau titre soit mentionné. Fruit de la collaboration d'une dizaine de chercheurs issus de presque autant d'universités françaises, "Les médiations culturelles et artistiques" explore, à travers de nombreux exemples dans le secteur de la musique, de la danse, du théâtre et des arts plastiques, les multiples dimensions de la médiation culturelle et notamment ses liens avec le secteur social.

"A la lecture des différentes contributions, se dessinent des articulations plurielles et fécondes entre médiation artistique-culturelle, intégration et socialisation. [...] La médiation culturelle et artistique donne bien les moyens de s'identifier, de se référer, de s'approprier, de dynamiser la culture". (conclusions)

Voir la Joconde - approches muséologiques

Cet ouvrage est issu d'une collaboration entamée voici quelques années avec des (maintenant anciens) étudiants de l'Ecole du Louvre. L'exercice était simple: peut-on encore présenter une analyse originale de la Joconde? Si la chose s'avère difficile pour ce qui concerne l'histoire du tableau, en revanche, l'analyse du dispositif et sa réception par le public n'ont que rarement fait l'objet d'études précises.

 

Que voyons-nous lorsque nous regardons la Joconde ? Et comment le voyons-nous ? Le tableau le plus célèbre du monde, admiré chaque année par des millions de visiteurs du musée du Louvre, a suscité la rédaction d’innombrables monographies évoquant son parcours particulier ou présentant sa place au sein de l’histoire de l’art. L’objet de cet ouvrage est différent : il cherche à préciser la relation que le public entretient avec Mona Lisa : d’abord en s’interrogeant sur le singulier rituel que constitue la visite à La Joconde et sur le dispositif qui a progressivement été mis en place afin de canaliser les foules et valoriser l’œuvre. Ensuite en s’interrogeant sur son public, flux continu de visiteurs souvent très différents, charmés ou parfois frustrés face à l’œuvre. A travers six essais, présentant autant d’approches muséologiques différentes, Voir la Joconde cherche à appréhender notre relation singulière avec les œuvres d’art et les dispositifs conçus pour les présenter. 

Cet ouvrage inaugure la nouvelle collection "les cahiers de la médiation culturelle", dirigée par Bruno Péquignot et moi-même.

Un récent rapport évoque, selon une approche similaire à celle utilisée quelques années plus tôt à l'échelle de l'Union européenne, la contribution de la culture à l'économie. Le rapport peut être téléchargé sur le site de la Documentation française.

A nouveau, les chiffres semblent éloquents: la valeur ajoutée de la culture apparait plus importante que celle de nombreux secteurs industriels, comme l'automobile ou les télécoms. On peut se féliciter, comme le fait le Ministère de la culture qui à commandité l'étude, de tels chiffres. On peut aussi s'interroger sur la méthode utilisée, qui englobe de plus en plus de secteurs dans la culture, ou sur la manière dont les calculs ont été établis. Il n'en reste pas moins que l'imbrication de la culture et de l'économie, que semble promouvoir cette vision bien éloignée de celle d'un Adorno, a de quoi faire réfléchir.

Mobilisez-vous! Une pétition pour la médiation culturelle

La mention de médiation culturelle risque de disparaître des diplômes de Master, risquant d'anéantir l'effort de constitution d'un champ de pratiques et de recherches pour le moins prioritaire.

Pour signer la pétition: http://www.avaaz.org/fr/petition/Ministre_de_la_culture_et_Ministre_des_enseignements_superieurs_Nous_appelons_a_reconstruire_les_masters_de_mediation_cu/?tKjOWgb


Nous appelons à reconstruire les masters de médiation culturelle.

Nous venons d’apprendre que la médiation culturelle vient d’être effacée de la liste des diplômes universitaires. D’un coup d’un seul ce sont 20 ans de travaux liant étroitement citoyens, artistes, professionnels et universitaires qui disparaissent. 20 ans d’une bataille qui a réussi à inscrire les publics au cœur de l’action culturelle. 20 ans d’efforts pour réconcilier les théories et les pratiques portées par l’Education populaire et celles des professionnels de la culture. Pas seulement de la culture instituée et défendue par le ministère du même nom, mais la culture au sens large, celle portée par les citoyens, le monde associatif, les amateurs qui œuvraient tous ensemble à ce que chaque culture soit reconnue, travaillée appropriée.

La médiation a su trouver sa place aussi bien dans la reconnaissance de cursus diplômants que dans les cadres d’emploi tant des collectivités territoriales que de l’Etat. Aux côtés des artistes, des administrateurs, des conservateurs, des chargés de communication, les professionnels de la médiation sont devenus ces spécialistes des populations visées par le projet de démocratisation culturelle. Nous avons réussi à faire reconnaître qu’il était essentiel pour toute institution patrimoniale et de création (musées d’art, de sciences, d’histoire et de société, monuments historiques, bibliothèques, archives, centres d’art, centres de culture scientifique et technique, centres d’architecture et d’urbanisme, théâtres, centres chorégraphiques, orchestres, etc.) que des professionnels accompagnent les publics dans leurs démarches d’appropriation. 

Ce n’était pas simple ! Nous avions constaté que la démocratisation culturelle ne pouvait être laissée aux producteurs des œuvres, des créations, des savoirs, car ceux-là ont déjà fort à faire pour inventer, chercher, créer. Nous savions aussi qu’il ne s’agissait pas seulement de communication ni de marketing et qu’il fallait veiller à ne pas assimiler les œuvres à des « produits » commerciaux. Nous savions qu’il y allait de la justice et de l’égalité entre tous si l’on voulait éviter que seuls ceux qui étaient déjà dotés d’un fort capital culturel se sentent concernés par les arts, les savoirs scientifiques et la culture. Nous avons voulu former des spécialistes qui auraient pour tâche d’intéresser les personnes à ce que produisaient les artistes et les chercheurs. Nous avons inventé et développé la « médiation culturelle », un ensemble de métiers qui travaillent à diminuer l’écart entre les publics et les œuvres, qui font cet indispensable travail de transmission. Ce travail ne relève pas seulement de l’école mais de toutes les institutions de culture, petites et grandes, qui maillent le territoire national et aujourd’hui le territoire immatériel de l’Internet. 

Cette fonction s’est imposée au point que les musées ont reconnu son utilité en l’inscrivant dans la loi « Musées » de 2002. Alors que les besoins sont immenses, pourquoi supprimer aujourd'hui ces formations qui savent préparer les professionnels, dans tous les champs disciplinaires, aux enjeux et aux pratiques de transmission informelle ? Comment faire aboutir la réforme des rythmes scolaires et l’instauration d’un parcours d’éducation artistique et culturelle pour tous les élèves sans faire appel à ces professionnels qui savent faire converger les besoins de l’école et les ressources des équipements culturels ? Faut-il cesser de former des médiateurs alors que se multiplient les dispositifs de sensibilisation et de transmission pour lesquelles les artistes ou les scientifiques ne sont nullement préparés ? Va-t-on laisser seuls les enseignants face à ces missions, alors qu’ils ont pu constater l’utilité et l’importance des savoir-faire de ces nouveaux professionnels ? Va-t-on purement et simplement abandonner d’immenses territoires dans lesquels n’existent que de petits équipements culturels aux moyens affaiblis par les restrictions budgétaires ? Où vont pouvoir se former tous ces jeunes qui veulent mettre en place des projets culturels, auprès des publics « empêchés » parce qu’ils sont dans des établissements fermés (l’hôpital, la prison), sont enfermés dans la maladie ou le handicap ou parce qu’ils n’y ont jamais eu accès et n’ont pas de famille pour les y inciter?

Sans doute cette jeune profession, qui figurait sur la liste des « nouveaux métiers, nouveaux emplois » soutenus par l’État en 1997 (autant dire au siècle dernier) était-elle encore à préciser dans ses misions, ses compétences, ses savoir-faire et ses références (sociologie, histoire de l’art, communication, psychologie sociale, etc.). Mais c’est précisément par cette ouverture, cette faible institutionnalisation qu’elle pouvait affirmer son rôle d’interface et d’attention pour tous les publics, d’intermédiaire efficace. 

Plus encore, elle préfigure de nouvelles façons de transmettre, car elle a été le lieu où pouvaient se construire de nouvelles pratiques de formation, d’éducation, de sensibilisation. Les lieux culturels, petits et grands, non contraignants, ouverts à tous, mettant à la disposition de tous les savoirs et les productions de toutes les populations (pensons aux écomusées ou aux orchestres amateurs) reposent sur ces compétences variées qu’il est indispensable de maîtriser pour que fleurissent les projets culturels qui sont indispensables à la construction de chacun, dans le souci de l’autre.

Est-ce faute d’avoir pris conscience de l’importance de la médiation culturelle que le ministère de l’enseignement supérieur a pris la décision de supprimer ces diplômes ? Jusqu’où fallait-il simplifier ? Les professionnels de la médiation et les chercheurs ont-il pu se faire entendre ? C’est pourquoi nous demandons tant au ministère de l’Enseignement supérieur qu’au ministère de la Culture de reconstruire les mastères de médiation culturelle. La liste parue au Journal Officiel du 11 février 2014 page 2414 - texte n° 21 - Arrêté du 4 février 2014 témoigne d’un repli sur les disciplines traditionnelles, oublie des champs culturels importants (la photographie et le design par exemple), et positionne la médiation du côté des sciences, en la mêlant à l’information. Or la médiation n’est pas de l’information.

Si la médiation culturelle reste absente des nomenclatures de formation, comment sera-t-il possible de former les professionnels des services des publics dans les secteurs du patrimoine et de la création? Comment seront formés ceux qui mettent la science en culture ? Va-t-on assister à un retour en arrière, avec des publics qui ne seront plus accueillis ? Oublie-t-on enfin que la qualité des médiations dans les institutions culturelles est pour beaucoup dans leur réussite et dans leur rayonnement, auprès de nos concitoyens et auprès d’un public plus lointain, celui des étrangers qui viennent en France ? 

Tous les pays développés ont de tels professionnels, et ils sont souvent au même niveau de responsabilité que les conservateurs (les scientifiques) et les gestionnaires. C’est loin d’être le cas dans notre pays. En restaurant les mastères professionnalisant et de recherche à la médiation culturelle, la France pourrait affirmer qu’elle ne renonce pas à mettre les publics et les populations au centre du travail des institutions culturelles. Elle donnerait ainsi un contenu à l’affirmation toujours répétée et jamais concrète de la dimension culturelle de sa démocratie.

16 février 2014

La médiation culturelle

Le terme de médiation culturelle s'est progressivement répandu dans le monde francophone, sans doute parce qu'il semble simple à comprendre et à définir. Sous cette appellation se rangent pourtant de multiples enjeux et des acceptions très différentes. C'est notamment à cette tâche que nous avons tenté de nous atteler, Serge Chaumier et moi-même, afin de présenter un certain nombre de pistes de réflexion sur les multiples voies qui conduisent à la médiation.









S'il se veut une contribution à la réflexion théorique qui se poursuit sur ce nouveau champ multidisciplinaire, cet ouvrage a également été conçu pour donner des informations plus pratiques sur la formation à la médiation culturelle, les disciplines qui la composent et les savoirs qui lui sont associés.

Evaluation des enseignements de L3

Je remercie ceux qui m'ont rendu le document concernant l'évaluation des enseignements de L3. J'ai établi une synthèse de vos remarques, que j'ai transmise au responsable de la licence. Nous avons déjà discuté plusieurs fois des améliorations à apporter aux enseignements, et rencontrerons les enseignants pour évoquer les remarques positives ou négatives que vous avez apportées.

Philosophie des jeux vidéos

Cet ouvrage publié en 2011par Mathieu Triclot est particulièrement éclairant pour comprendre le monde des industries culturelles de nos jours, et plus encore l'immixtion d'une certaine vision de l'économie (dans sa version la plus libérale) au sein de notre vie actuelle, par le biais notamment des jeux vidéos. A l'heure des "serious games" et autres méthodes visant à introduire du jeu partout, et notamment dans le travail, il importe de mieux comprendre la logique de ce qui n'est pas encore tout à fait considéré comme un produit culturel identique au théâtre ou au cinéma, mais dont la logique actuelle vise à rassembler le secteur des jeux vidéos et la culture, par le biais des industries créatives.

L'ouvrage s'attache à présenter l'histoire - de manière particulièrement pertinente - du jeu vidéo, depuis ses débuts, il y a maintenant cinquante ans, jusqu'à nos jours. Dissociant "game" et "play", Triclot évoque l'expérience particulière que constitue le jeu, et les différents ressorts sur lesquels se fonde le jeu vidéo.

Ce texte très clair et critique quant aux conséquences de l'industrie du jeu vidéo, résonne de manière particulière pour le muséologue. L'auteur cite la gamification du monde, l'expérience du joueur, décrit le dispositif technique du jeu vidéo, relie ce dernier à la critique d'Adorno, autant d'analyses qui pourraient être réalisées avec de nombreux médias, mais qui trouvent de nombreux échos avec celles portant actuellement sur les musées.

L'ouvrage peut être acheté sur papier, mais peut également être consulté gratuitement sur Internet, en cliquant ici.

Questions d'expologie

Le titre de cet ouvrage renvoie à une longue discussion, largement abordée dans le Dictionnaire encyclopédique auquel Serge Chaumier à participé.

L'excellente collection Musée-Mondes, à la Documentation française, poursuit sa politique de publications. Ce petit "traité" réalisé par Serge Chaumier constitue un ouvrage d'un grand intérêt, tant pour les étudiants que les professionnels (son prix est très accessible). L'auteur, qui dirige le Master Expo-Muséographie à Arras, anime depuis de nombreuses années un blog où il témoigne, entre autres, de sa pratique très régulière de visite d'expositions aux quatre coins du monde. L'ouvrage aurait pu utilement tirer un peu plus parti de la collection des expositions visitées présentées dans le blog - le travail d'illustration s'avérant impossible à mettre en oeuvre, pour des causes bien compréhensibles de budget.

 

Serge Chaumier, ici, ne traite que d'expositions muséales, et non de celles des grands magasins ou de celles de foire (parfois évoquées). La matière est déjà assez abondante. Il ne s'inscrit pas non plus dans la tradition d'analyse de Newhouse ou de Altshuler. C'est en quelque sorte à l'exploration d'une sorte de grammaire - ou plutôt d'une rhétorique particulière - à laquelle nous invite l'auteur, s'inscrivant à la suite des travaux de plusieurs autres muséologues ayant largement contribué à ce domaine, comme Jean Davallon, André Desvallées ou Marc-Olivier Gonseth. La taille du traité (quelques intertitres supplémentaires auraient été les bienvenus) laisse présager de futures éditions, ce qui ne peut que nous réjouir.

La médiation culturelle

Il est encore relativement rare de trouver des manuels évoquant la médiation culturelle. Celui-ci, qui se présente plutôt comme une synthèse d'expériences réalisées au Québec, vient d'être publié, en 2012, sous la direction de Jean-Marie Lafortune, aux Presses de l'université de Québec. Préfacé par Jean Caune, l'ouvrage aborde, de manière parfois inégale, les différents aspects de ce champ particulier, insistant notamment sur nombre d'actions en dehors des lieux conventionnels de la culture: expériences dans la ville, sur Internet, etc. L'introduction et les premiers chapitres restituent bien la dimension politique et sociale de la médiation, présentant les acteurs et les publics (ou non-publics) impliqués dans les actions. La seconde partie de l'ouvrage présente un grand nombre d'études de cas, toutes réalisées au sein de la belle province. 

Inside Job

Il n'est jamais trop tard pour parler d'un documentaire comme Inside Job, d'autant plus que la crise déclenchée fin 2007 est loin d'être terminée. Ce film montre, outre la cupidité effroyable des banquiers de Wall Street, le rôle étonnant joué par certains économistes universitaires dans la destruction du système qui a conduit à la catastrophe financière que l'on sait. Quatre ans plus tard, le système qui a permis les subprimes, la faillite de grandes banques d'affaires (Lehman Brothers), mais surtout la ruine de millions de citoyens, n'a absolument pas été transformé (sinon de manière cosmétique).

Ce film, qui se trouve facilement (il est même en réduction pour l'instant à la Fnac) constitue un document pour le moins intéressant à regarder.

Temps de cerveau disponible

Il y a quelques années, le Président de TF1, Patrick Le Lay résumait parfaitement la logique de la télévision commerciale:

« Il y a beaucoup de façons de parler de la télévision. Mais dans une perspective ”business”, soyons réaliste : à la base, le métier de TF1, c’est d’aider Coca-Cola, par exemple, à vendre son produit (...). Or pour qu’un message publicitaire soit perçu, il faut que le cerveau du téléspectateur soit disponible. Nos émissions ont pour vocation de le rendre disponible : c’est-à-dire de le divertir, de le détendre pour le préparer entre deux messages. Ce que nous vendons à Coca-Cola, c’est du temps de cerveau humain disponible (...). Rien n’est plus difficile que d’obtenir cette disponibilité. C’est là que se trouve le changement permanent. Il faut chercher en permanence les programmes qui marchent, suivre les modes, surfer sur les tendances, dans un contexte où l’information s’accélère, se multiplie et se banalise. »

Une émission explorait il y a quelques temps les outils mis en place, ces dernières années, par les télévisions commerciales, pour rendre notre cerveau plus aisément disponible à la logique consumériste. Résultat édifiant:

 

La restauration des peintures et des sculptures

C'est un fort bel ouvrage que viennent à nouveau de publier les éditions Armand Colin, les imposant toujours un peu plus comme éditeur incontournable dans le domaine de la muséologie.

La restauration des peintures et des sculptures. Connaissance et reconnaissance de l’œuvre, constitue une somme du plus haut intérêt. Nourri par les contributions de trois journées d'études, ce livre dresse, à travers le regard d'une quarantaine d'auteurs francophones (Français, Belges et Suisses), un panorama sinon exhaustif, du moins très riche, de la logique de la conservation-restauration dans nos régions. Pierre-Yves Kairis, Béatrice Sarrazin et François Trémolières, qui éditent le volume, se sont ainsi entourés des meilleurs spécialistes (Bourgeois, Bresc-Bautier, Périer-D'Ieteren, Serk-Dewaide...) afin de présenter les enjeux de la restauration à travers son histoire (restauration de la sculpture grecque ou des "monuments français" rassemblés par Lenoir), le travail d'étude des œuvres (préalable indispensable à la restauration technique) et, de manière plus générale, le double prisme de l'histoire de l'art et de la théorie de la restauration. Doté d'une iconographie aussi abondante que souvent spectaculaire, ce volume satisfera aussi bien l'honnête homme que l'historien de l'art ou celui de la restauration, qui y trouveront un appareil critique pour le moins imposant, et bien sûr le muséologue qui pourra y goûter la richesse de la pensée des grands noms de la restauration (Brandi ou Philippot). En ce sens, le traitement de la question du faux, de la restauration des œuvres ruinées ou des recyclages de sculptures, apparaissent comme des questions particulièrement fécondes d'un point de vue muséologique.

Le monde de la conservation-restauration constitue un univers en soi: son comité, au sein de l'ICOM, est le plus important en nombre d'affiliés, et de nombreuses revues spécialisées, colloques et journées d'études témoignent de sa vitalité. Au risque, peut-être, de prétendre à une vie en vase clos, à l'abri des turpitudes de la vie muséale quotidienne? A l'heure des manœuvres économiques et politiques qui entourent l'institution, il demeure plus que jamais nécessaire d'envisager un meilleur dialogue entre les diverses fonctions du musée et leurs acteurs -  médiateurs, muséographes, régisseurs, etc  - sous peine de se voir imposer, de l'extérieur, une vision de plus en plus éloignée des principes défendus naguère par Brandi, Rivière ou leurs émules.